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L'artista Anastasiia Karchenko è nata nel 1989 in Russia e ha dipinto per tutta la sua vita fin dall'infanzia, da quando può ricordare. Ha iniziato a dipingere molto presto. Si è diplomata al Liceo Artistico nel 2012 con il Diploma di artista-designer, (design artistico d'interni) Mosca. Ha lavorato come Interior Design presso il Dipartimento di Turismo e Servizi dell'Università Statale di Mosca nel Dipartimento di Arti e Mestieri. Ora vive in Italia.
“I colori, la storia, l'arte e la natura di questo Paese mi ispirano a una creatività brillante. È la pittura che ci aiuta a credere nella nostra unicità e ad approfondire il nostro mondo interiore. "
Le sue opere si trovano in collezioni private in Russia, Europa e Cina.
L'artista ha partecipato a diverse mostre, tra cui:

-2021- Luxembourg Art Prize, Luxemburg

- 2021, Milan, Italy,Biennale Milano.
International exhibition of contemporary art

- 2020 Verona, Italy,"ART&Cavallo","Fieracavalli"

-2011. Moscow, Russia Gostiny Dvor, ,
The exhibition is dedicated to the 65th anniversary of the victory over fascism.

-2010. Russian Presidential Administration , Russia, Moscow.
The exhibition is dedicated to the 65th anniversary of the victory over fascism.

- 2010. Cuba, The exhibition is dedicated to the 65th anniversary of the victory over fascism.

Anastasyia Kharchenko

Il mio percorso inizia con la scrittura ottenendo ottimi riconoscimenti nei concorsi letterari. Successivamente frequento per anni un Circolo della ceramica ad Albisola e, contemporaneamente, mi dedico alla pittura prediligendo i colori acrilici.
La Digital Art è un'espressione artistica a cui mi sono appassionata ormai da anni; nata dall'unione della pittura, della fotografia (di cui sono appassionata) e dalla tecnica computerizzata: poter guardare la realtà con occhi diversi, come quando si stendono sulla carta i segni di parole che diventano poesia, mi offre molteplici possibilità creative.
Ho avuto grandi riscontri di cui sono molto soddisfatta: oltre a mie personali, la partecipazione a molte mostre artistiche in molte città d'Italia, oltre, ovviamente, nella mia città, Savona (cito: Roma, Torino, Venezia, Genova, Milano, Perugia, Sanremo, Spoleto, Gubbio, Bolzano, Albenga, Imperia, Bergamo, Vieste,Bologna, Firenze, Padova ..).
A Genova partecipo principalmente con Satura Art Gallery, alla Biennale di Genova, ad Arte Genova.
All'estero (cito: Istanbul, Berlino, Hangzhou, Parigi, Montreal, Oxforf, Russia (San Pietroburgo, Mosca...), New York, Philadelphia, Paraguay, Islanda...). Queste ultime due realizzate dal gruppo del Comitato Cristoforo Colombo di Genova “Artisti del Vecchio e del Nuovo mondo che unisce artisti italiani e sud americani). Alcuni miei lavori appaiono su riviste d'Arte, tra le ultime cito ExpoArt e Policromia (presentata ogni anno alla Fiera del libro di Francoforte) .
Nel mio bagaglio di esperienze posso citare un corso di volo aeronautico, danza indiana, danza africana, pianoforte... il premio Rustichelli per la realizzazione di un soggetto per un corto.
Sono sempre stata affascinata dai segni, dalle culture di altri popoli, dai loro colori. In ogni segno traspaiono un'emozione, una vita.

Cristina Mantisi

Fatima Marques, nata a San Paolo è un’artista visiva brasiliana da più di 15 anni di carriera. Laureata in Amministrazione aziendale - FEA/USP , ottieni il diploma di Storia dell'Arte con Mali Fleet Villas Bôas (gallerista, critico e Storico dell'arte) e diploma di Storia dell'Arte con Rodrigo Naves (critico d'arte e storico).
Dopo aver lavorato come dirigente di alto marketing in alcune delle più grandi multinazionali di beni di consumo per oltre 30 anni, ha scoperto nella pittura il modo ideale per stravasare il suo femminile, riflessivo, sentimenti, domande e sogni. Oltre, naturalmente, di essere in grado di rilassarci e liberarci dello stress di giorno in giorno, di essere in grado di connettersi con se stessi e di essere con la mente nel presente / ora.
L'unione di questi elementi ha generato l'identità visiva e il tema per cui l'artista è attualmente conosciuto... l'"Arte di ritrarre il sacro/immaginario del feminino".
Fortemente influenzata dalla tecnica dei grandi maestri della pittura ad olio rinascimentale/barocca, e dallo stile surrealista, nel corso degli anni ha sviluppato un proprio linguaggio/identità artistica e tematica, attraverso corsi di storia dell'arte, viaggi internazionali e musei, conoscendo l'opera di diversi artisti che la influenzano ancora oggi, come Raffaello, Caravaggio, Salvador Dalì, Vito Campanella, Sergio Ferro, Carlos Araújo...
Così, la produzione dell'artista si configura attraverso il dialogo tra arte classica e contemporanea, style realistico contemporaneo, di un linguaggio artistico intrinsecamente associato al sentimento, dal punto di vista dell'"universo del femminile" e può essere concettualizzato il suo lavoro come realismo immaginario/fantastico, un'intersezione tra il mondo reale/concreto e il mondo dei sogni, dei sensi, dei viaggi immaginari, delle emozioni e delle nuove prospettive. Nelle sue opere, l'artista discute aspetti della vita contemporanea in modo poetico e accattivante.
L'artista, dal 2005, ha partecipato a Mostra Collettive in tutto il Brasile e all'estero, con numerosi premi nella sua categoria. Ha pubblicato il suo lavoro attraverso gallerie in Brasile e in Europa e ha le sue opere catalogate in pubblicazioni d'arte in Brasile e all'estero. Con grande ripercussione, espone le sue opere in importanti sale e gallerie di Parigi/Francia; Negli Uniti Stati; in Italia e Portogallo. Ha partecipato, nel gennaio/2018, alla XII Biennale d'Arte Internazionale di Roma, dopo aver ottenuto il 2° posto della categoria Biennale – Pittura. Nel 2016 ha partecipato a da "27ª Mostra Mercato d'Arte Moderna e Contemporânea di Pádova" / Itália, essendo stato selezionato per partecipare all'Art Talent Show. Sempre nel 2016 ha partecipato alla Collettiva Artisti Brasiliani di Tívoli, Roma/ Italia, ricevendo il 1° Premio in pittura.
L'artista è stata selezionata a partecipare alla Mostra Internazionale Arte & Cavallo, presso l'Ippodromo Snai San Siro a Milano, dal 24 al 28 settembre 2022.

Fatima Marques

Nata a Cambé-PR e residente a Londrina-PR (Brasile) Gabriela Wis si è laureata come architetto e urbanistica presso il Philadelphia University Center (Stati Uniti). Oggi, lavora con le arti personalizzate e l'interior design nel suo proprio negozio di decorazioni e mobili – “Wood Decorate”.
Fin dall'adolescenza, ha creato innumerevoli volantini, cartelle, loghi, tra gli altri elementi grafici, sviluppando così familiarità e specializzandosi con i programmi di creazione digitale, in modo autodidatta.
Innamorata dei cavalli fin dall'infanzia, eternizza attraverso pennelli virtuali quegli animali amati dai loro proprietari.
L'arte grafica è resa disponibile digitalmente via e-mail (in PNG) e i clienti possono stampare su tela, carta canson…. come preferire.
Ha un'alta risoluzione (7000x7000 pixel e risoluzione di 300 pixel / pollice), quindi è a discrezione del cliente stampare grandi o piccoli, secondo necessità ... (può essere fatto in risoluzioni più elevate e altri formati).

Il prezzo è di € 100 per arte del volto dell'animale, se ci sono molti dettagli (es. cani o animali con persone) varia in base alla complessità del lavoro da svolgere (da € 100 a € 300 ).

Le opere saranno inviate insieme al certificato di autenticità.

Gabriela Wis

"Jean Beausoleil, un artista con più di vent'anni di esperienza, è diventato un è specialista nell'arte della serigrafia e della fotografia. Attualmente l’artista utilizza l’influenza tecnologica per dare vita alle sue opere e sorprendere il suo pubblico. La sua arte è sempre stata legata all'innovazione e alla modernità, così come al desiderio di rompere con le regole stabilite, fuggire dal convenzionale e perseguire l'ignoto. Le opere di Jean Beausoleil esprimono la sua volontà di sognare e di allontanarsi dalla mediocrità. L'artista lotta contro la tradizione alla ricerca dell'originalità e nuovi supporti tecnici per innovazione e miglioramento della creazione delle sue opere fotografiche, di eccezionale e sorprendente singolarità. Usa la tecnologia per esprimere i suoi sentimenti e le sue emozioni in un modo diverso. Jean basa la sua attività artistica sulla continua intersezione tra il tangibile e l'immateriale, all'interno del nostro contesto sociale. Per lui l'arte è il territorio perfetto per immaginare mondi possibili, esprimersi e dialogare... sentire, costruire, decostruire e ricostruire." (Roselli Crepaldi).

Ho trascorso più di vent'anni eseguendo le opere di più di un centinaio artisti rinomati. Serigrafo per allenamento, metto su carta fine le emozioni, la sensibilità artisti in arte naïf, astratta, figurativa di tutte le espressioni.
Dotato di questa ricca esperienza, ho creato opere serigrafiche, lasciando posto alla mia sensibilità. Fu allora che ho aggiunto la fotografia al mio arsenale.
Una visita al Musée d'Orsay di Parigi influenzerebbe tutta la mia futura produzione.
Circondati dalle opere di Vincent Van Gogh, mille sensazioni, colori, ritmi e luci mi hanno piacevolmente colpito anima e corpo. Il mio approccio fotografico è completamente cambiato.
Il soggetto diventa accessorio, solo emozioni, toni, vibrazioni d'ora in poi guiderebbe le mie passeggiate mattutine. Un nuovo mondo si sta aprendo, tutto è solo ascolto e meditazione. (Jean Beausoleil)

MOSTRE
2022 Mostra Internazionale L'Arte Tutela La Natura e L'Umanità - Brera, Milano, maggio.
2021 Queste piccole cose Galerie Espace, Montreal
2020 Acqua e sogni Galerie Espace, Montreal
2004 Les Grands Voyageurs Galerie Générale, Massueville
2004 Mostra Duo Zen Zilon-Beausoleil Galerie Olivier Martin, Montreal
1999 Quartetto e jazz al belgo Montréal –
1998 Mostra collettiva SODAC Longueuil
1998 Mostra L'Envol Centro socio-culturale Saint-Basile -Le-Grand
1998 Portes ouvertes au Musée d'art de Mont-Saint-Hilaire
2° premio categoria mixed media

1997 Open House al Museo d'Arte di Mont Saint-Hilaire
1° premio categoria mixed media

1997 Mostra Tellurique Galerie Concept Art Vieux-Montréal
1994 Expo Comité Québec/Bosnia - Université du Québec à Montréal
1993-94 Mostra Omaggio al Livernois Museo del Séminaire de Québec

Collezioni
Biblioteca Nazionale del Québec
Museo del Séminaire de Québec

Jean Beausoleil

L'artista brasiliana Mariana De Mendonça, di Campinas (San Paolo) fin dalla tenera età, si dedicò ai disegni e alle lezioni di Educazione Artistica dove si distinse. Appassionata di calligrafia, l'artista ha creato storie illustrate.
Il tema preferito era sempre il cavallo, raccoglieva ritagli, creava una storia e disegnava per i colleghi. Al liceo, all'età di sei anni, era conosciuta come colei che disegnava cavalli.
La passione era enorme, così suo padre acquistò un cavallo da passeggio, in seguito di sua iniziativa continuò a frequentare lezioni di equitazione in una scuola vicino a casa sua.
E, non era per niente, dal momento che suo nonno era il Direttore del Fantino di Pelotas- RS, anche in Brasile dedicandosi al commercio di cavalli da corsa, così fin dall'inizio nelle sue visite al nonno è stata portata a cavalcare , che l'ha segnata profondamente.
Nel 1994, all'età di 14 (quattordici) anni è andata a vivere con il padre a Brighton, in Inghilterra, dove ha avuto contatti con l'Atelier della Scuola della Newman School, distinguendosi, ancora una volta, nelle classi artistiche. In quel periodo è stata invitata ad esporre all'interno del gruppo scolastico, presentando un collage con riferimento all'arte indigena canadese.
Durante il suo soggiorno, ha visitato musei, scuole d'arte, piccole gallerie, così come il fatto che viveva con opere architettoniche di valore storico, la ha profondamente influenzata. Ha visitato il Louvre, mostra di Dalí, tra gli altri, quando era in Francia; si percepisce che la sua educazione informale nelle arti era già in corso. Periodo in cui non smette di frequentare le lezioni di equitazione, rimanendo fedele alla sua passione, ai cavalli e all'arte.
Tornò in Brasile, riprese i suoi studi formali, ora il suo college, "Anglo-Campinas", che non insegnava lezioni di educazione artistica, solo studi concentrati per vestibolari.
Nel 1999 ha frequentato il corso di Laurea in Scienze Giuridiche e Sociali presso la Pontificia Università Cattolica di Campinas. Nel 2001, ha rinchiuso per recarsi a Vancouver, in Canada, e perfezionare il suo inglese. Durante il suo soggiorno in Canada, ha visitato gallerie d'arte indigene come la Lattimer Gallery, musei e la Columbia University.
Al suo ritorno in Brasile, ha completato la sua Laurea in Scienze Giuridiche e Sociali, tuttavia la sua insoddisfazione ha scoperto che l'ha portata, ancora una volta, alle Arti.
Da sola, ha iniziato a sviluppare i suoi dipinti, quando ha affrontato la resistenza della sua famiglia, ma nient'altro ha potuto impedirle di tali direzioni. Molto rapidamente la zia e artista plastica Sonia Heinz, formata da URGS, inizia a notare i suoi dipinti, amici e anche sconosciuti, un momento che stimolato ad esporre le sue opere, è stato accolta da porte aperte. Ha prodotto un piccolo catalogo con le sue opere nel 2020, come artista indipendente. Dopo aver partecipato a mostre, saloni e concorsi di arti visive, la sua ultima partecipazione è stata nel settembre di quest'anno quando è stata selezionata per mostre collettive come nel "Laboratorio sotterraneo di arte contemporanea", in Brasile.
Come risultato della sua carriera, ha iniziato a vendere e ricevere ordini soprattutto con il tema del cavallo. È successo tutto rapidamente. Muoversi attraverso diversi linguaggi pittorici e tecnici.
Ha studiato attraverso corsi gratuiti e brevi, tra gli altri e attraverso consulenti che gli sono emersi come maestri durante la sua carriera.
Premiata dal voto popolare, in un concorso artistico nazionale di Amatra XV, tenutosi nell'anno 2020, durante la pandemia, quando aveva solo un mese per progettare ed eseguire la pittura di una tela di dimensioni 1,80 m x 1m, il cui tema era "POTERE, ETICA, SPIRITUALITÀ ED EFFICACIA DELLA GIUSTIZIA". Questo argomento era difficile, in un'opera di queste dimensioni, in un periodo di tempo così breve. Ma Mariana prosperò, tanto che il lavoro fu acquisito dall'istituzione e oggi occupa un posto nella sede principale dell'istituzione.
Con l'avvento della Pandemia, ha anche elaborato diverse serie di opere e ricerche, dedicandosi fedelmente alla sua pittura, studiato, arte contemporanea e artisti come "Antônio Tapies", "Phillipe Guston", "Bispo do Rosário", "Mestre Shitao", o "Monge-abobora-Marga", nell'arte contemporanea Ligia Clark, Hélio Oiticica tra gli altri, hanno concentrato parte dei suoi studi anche sull'espressionismo tedesco, nel documentario e nella letteratura.
Ha prodotto, serie e studi come, serie "Arlequins"- (cavalli)- Serie "Caleidoscopi" (cavalli), serie "Donne nella pandemia", serie e "Angeli Messaggeri di speranza", serie "Cavalli", serie "Viaggio sud- malinconia"; Serie "Jatobás"; serie "Horses in Lines"; "Memorie di carta"; "movimento dell'Universo" e ha prodotto studi delle linee e delle tracce. (media: cartone, cavas, tra gli altri)
Negli ultimi due anni si è dedicato alla pittura su media digitali, dove studia l'interazione delle persone e le forme di produzione. Attualmente si occupa di Post-laurea in Arti Visive e i suoi studi si rivolgono alla pittura sintetica, minimalista e geometrica, come forma di dialogo diretto con lo spettatore dove uno dei temi principali è il cavallo, i corpi e le forme universali, L'artista è interessata al layout libero. Le sue creazione sono senza eccessi, che si oppone all'attuale consumo eccessivo. Sviluppa il suo linguaggio pittorico sintetico, diretto e gestuale come modo per avvicinarsi alla sua poetica.

Mariana De Mendonca

Nell’Artista Massimo Fuoritempo convivono più anime artistiche figurative complementari ma separabili, superando e surclassando le macchinose distinzioni, fra astratto e figurativo lavorando in funzione di una continua crescita, di un continuo superamento dei traguardi già raggiunti.
Una di queste anime va “oltre la fisica”, sa mantenere il controllo e il contatto con il terreno resta nella mano dell’artista, perché la riflessione e il confronto con il quotidiano è per Massimo Fuoritempo la piattaforma da cui spiccare il volo, alla ricerca di quella dimensione che si proietta “nel visibile e oltre il visibile”.
Le composizioni dell’artista evocano emozioni e ricordi collegati anche al suo essere musicista e compositore rilasciando sensazioni profonde. Questa “intenzione” raggiunge il suo vertice nell’assoluto del gesto pittorico, nel colpo d’ala che non è mai ruffiano, che non sacralizza l’immagine, perché lo sguardo si dirige ben oltre, attraverso elementi ricchi di penetrante lirismo poetico, soffermandosi sui particolari che colpiscono chi ama leggere i messaggi lanciati sulla tela.
È una natura la sua, scaturita dall’intimo di un “ego” che ha trasceso il dato, ma ha lasciato inalterata l’esigenza del silenzio, del fascino o della solitudine. Da qui anche la sua concezione della vita, quale affiora nelle sue opere, il suo rapportarsi alle vicende, a cominciare però ancora una volta da quelle più vicine, che riguardano il suo trascorso.
Capace di esprimere atmosfere silenziose, dipinti dove traspare la vita, in composizioni di riflessi e trasparenze, ma dove trova sempre un suo spazio la luce, simbolo di speranza che fa rivivere i paesaggi dimenticati, quasi a volerci ricordare che la bellezza sta attorno a noi, nel quotidiano, e attende solo di essere scoperta.
La sua luce viene scomposta a tratti in riflessi abbaglianti, particelle che dagli oggetti, dai corpi vanno a diffondersi nello spazio ed a collegarsi a tutto ciò che è intorno tornando poi alla loro origine.
Artista poliedrico, ha un’altra anima molto spiccata, un’originale declinazione dove l’energia supera l’immagine canonica per riportare alla luce qualcosa che va al di là dell’oggetto ritratto, partecipe di una nuova dimensione intellettuale.
Questi lavori si stemperano nell’evanescenza della carica cromatica, in un raffinato gioco di colore, dal gesto che riporta all’astratto. Il colore, steso con tecnica originale, ha tonalità intense e vibranti creando così il suo linguaggio espressivo dal quale emerge una profonda conoscenza del colore. Fuoritempo dimostra di sapere alternare e scambiare il senso del rapporto tra la forma e il colore, impedendone la fissità, il tutto in presa diretta con le tensioni e l’abbandono dell’inconscio, grazie alla sua personale libertà creativa. L’Artista ha messo sotto esame le principali fonti della pittura del Novecento, dall’Espressionismo all’Astrattismo, per coglierne gli aspetti che meglio traducono il senso della contemporaneità. I gesti del pittore sono energia pura che si imprime sulla superficie attraverso la sapiente scelta del “colore” grande protagonista di una parte della sua arte. Del resto che senso avrebbe un ritratto che giocasse soltanto sulla somiglianza, senza realizzare e definire nell’aspetto l’emergere di “quello che c’è dentro”?
Le immagini vengono quindi delineate dal colore, che è steso attraverso gli evidenti percorsi del pennello, dai quali emerge l’itinerario creativo che ha condotto alla resa finale. Chiaro è peraltro l’effetto di forte emozione percettiva generato dalla tavolozza, composta da colori vitali ed energici, ma sempre perfettamente accordato, come uno strumento musicale, per rendere perfetta l'armonia cromatica.
Ora sta marciando attraverso sogni e certezze verso un sorprendente percorso artistico e sensibile alla vita che lo circonda che non può non affascinare tutti coloro che sanno cogliere i suoi messaggi nascosti, le sue identità, le vibrazioni dei colori, la ricerca della perfezione nel particolare.
La sua è una ricerca a tutto tondo nella sensibilità dell’animo umano, dove spesso pittura e musica interagiscono e si compenetrano in una forma d’arte integrata, retaggio di percorsi effettuati nel suo vivere.
Alaide de Filippi

Massimo Fuoritempo

Nadia Martorano nasce a Monaco di Baviera nel 1979, dove consegue il Diploma alla Balthasar Neumann Realschule. Si trasferisce in Italia completando gli studi.
La sua passione per l’arte prende il sopravvento e da autodidatta inizia a disegnare già da piccola… l’immagine, il colore, il poter immergersi in queste atmosfere danno la dimensione della sua vita. Si cimenta con le tecniche più diverse, miste, spatola, materiche, figurativo, astratto, contemporaneo. Addentrarci nell’arte di Nadia è un atto di sorpresa. Quello stupore innocente che ne cattura immediatamente lo sguardo… nel rendersi conto dell’uso del colore, così spontaneo, così elargito senza sprecare una pennellata. La forza è nella delicatezza nell’affrontare il luogo e il tempo che andrà a rappresentare o meglio dire a vivere in quell’armonia che la porta a intersecare la cromia che racconta. Nelle sue opere i soggetti raccontati riescono a dare allo spettatore quella serenità nel percorrere l’opera, da stagni che conducono il pensiero a profumi di terre lontane, terre incontaminate che danno quella sensazione, sicuramente nel cuore di ognuno di noi, di poter e saper custodire la nostra amata Terra. E poi perdersi in sterminati prati di papaveri, fiori da sembianze quasi immortali, eterei e delicati ai sensi, che ne accoglie quasi il profumo e nella vista ne trova la pienezza.
Il suo è un talento naturale, spontaneo che emerge nei suoi lavori quasi istintivo ma profondamente emotivo. La sua formazione pittorica non si basa su regole accademiche ma su una tecnica libera, autonoma in cui colpisce lo stile aperto a nuovi stimoli, intuizioni. L’uso del colore, le sfumature di pennellate ma anche le applicazioni inserite, bastano per mettere in evidenza il tocco di mano innovativo, sicuro e deciso di Nadia Martorano. L’artista non si dedica quindi a una sola tecnica, ne sperimenta diverse spaziando dalla pittura all’uso di materiali decorativi e dal componimento figurato all’astratto. Forse l’essere nata e vissuta per un periodo a Monaco di Baviera, dove ha conseguito il Diploma alla Balthasar Neumann Realschule, e poi il ritorno nella terra di origine, Spezzano Albanese (Cs), e dove vive con il marito e i figli, ha inciso sul suo essere sensibile a tutto ciò che rappresenta il nuovo, il cambiamento. La pittura di Nadia Martorano rifiuta quindi gli schemi, ogni forma di chiusura e staticità, ma non per questo è priva del forte legame con le sue radici, quelle intrise di storia e antiche culture e tradizioni come quella arbëreshë di Spezzano Albanese. La sua arte è quindi un viaggio condotto in mondi lontani ma anche vicini, in luminosi campi colorati o in luoghi incantanti in cui perdersi e ritrovarsi. Nei suoi dipinti è forte la carica energica trasmessa dalla pittrice, che non manca mai di accompagnare lo sguardo dell’osservatore nell’incanto della natura, una costante nelle sue opere. Proprio per il suo essere pronta a cogliere le opportunità date da nuovi stimoli artistici, Nadia Martorano è stata molto attiva anche durante la chiusura forzata per emergenza Covid-19. L’artista infatti ha partecipato a diversi concorsi, mostre personali e collettive nazionali e internazionali. Tra le principali esperienze va menzionata l’essere stata selezionata per due anni di seguito tra gli artisti contemporanei pubblicati nel Catalogo d’Arte Moderna e Contemporanea 2020 (CAM 56) 2021 (CAM 57) edito da Mondadori. L’artista inoltre è presente in diversi volumi di riviste d’arte Biancoscuro ecc.

Nadia Martorano

Pierangela Bilotta è nata a Petilia Policastro un piccolo paesino dell’entroterra Crotonese in Calabria. L’artista vive e lavora a Milano da molti anni, precisamente dal 1991, dopo aver terminato il Liceo Artistico a Catanzaro. Nello stesso anno si è iscritta all'Accademia di belle arti di Brera dove ha frequentato il corso di scultura con il Prof. Igino Legnaghi. Milano è stata una tappa importantissima nel suo percorso artistico perché li ha dato l’occasione di esprimere le sue capacità in diversi modi e di relazionarsi con persone nei diversi ambiti artistici.
Già negli anni in cui ha frequentato l’Accademia di BRERA ha avuto la possibilità di collaborare con Natale Panaro, scenografo e sceneggiatore RAI, modellando alcuni pezzi per i costumi del Mefistofele per la SCALA DI MILANO.
In seguito ha collaborato per molti anni con Fontana Decorazioni come progettista e modellatrice di pezzi decorativi e stucchi, che hanno abbellito e decorato molte case e negozi di lusso, come la casa e il negozio di VERSACE in Montenapoleone. Ha collaborato con l'architetto Comolli modellando alcuni pezzi per la casa di Versace a Miami. Ha progettato e modellato alcuni pezzi per casa Campari, ha realizzato dei trompe l’oeil per l’architetto Rocca e negli ultimi anni si è dedicata completamente alla pittura.
Tra le sue esperienze più rilevanti:
• PARIGI al Carrousel du LOUVRE
• CANNES art shopping cote d'azur
• ISTRES Chappelle de Saint Sulpice
• MILANO alla Biennale di Milano curata da Vittorio Sgarbi ecc.
“La mia è Una pittura che definirei "Intimista" tra simbolismo e surrealismo.
L'esplorazione dei sentimenti e delle emozioni attraverso l'arte, nel tentativo di raccontare un mondo interiore che possa trasportare lo spettatore coinvolgendolo emotivamente.
Sono partita esplorando l'essere umano e la sua identità, il conflitto e la fusione tra il maschile e il femminile, attraverso la rappresentazione di figure androgine, per approdare gradualmente a soggetti soprattutto FEMMINILI.
La donna con le sue paure, con le sue debolezze, le sue passioni, ma soprattutto la sua forza, la sua capacità di rinascere dalle proprie ceneri come una fenice. METAMORFOSI e RINASCITA caratterizzano i miei ultimi lavori con un forte legame alla natura al fatto che ne siamo parte integrate e che come in natura siamo capaci di germogliare e fiorire nonostante le situazioni avverse. “ (Pierangela Bilotta).

Pierangela Bilotta

L'Artista Taichi Ichikawa , in arte Soundscapenet, è nato ad Aichi, Giappone nel 1975. È Acquerellista e dipinge volti di ragazza ed animali , soprattutto cuccioli. Utilizza prevalentemente l'acquerello ma anche la tecnica mista nei ritratti più grandi. La sua pittura è precisa sotto l'aspetto tecnico, pur essendo fatta di getto. L'artista ha la particolarità di entrare nella psiche dei personaggi , catturando le espressioni.
"I ritratti ad acquerello dell'artista Soundscapenet sono personaggi della vita quotidiana – giovani donne, animali, bambini e hanno un dinamismo che potrebbe essere portato in vita solo dalla facilità e dall'immediatezza dell'acquerello. Il suo lavoro è celebrato per i suoi dettagli impressionanti e mostra l'abilità dell'artista con toni contrastanti e la sua capacità di controllare i colori intrinsecamente scivolosi del suo mezzo. Soundscapenet esplora le possibilità del colore e offre alle sue opere un'estetica che la pittura tradizionale semplicemente non può raggiungere. L'artista può rapidamente immortalare le sue creazioni con un maggiore grado di informalità. I suoi ritratti riescono a catturare l'essenza del personaggio con una sensibilità unica e sono vere e proprie opere d'arte". (Roseli Crepaldi).
Ha partecipato in diverse eventi d'arti. Tra le mostre più recenti :
-Salerno, -Pittura e Illustrazione -
- Museo Marte di Cava dei Tirreni
- Parma capitale italiana della cultura
- Monaco - Art3f curata dalla Galleria Accorsi
- Salerno January Elements in centro storico di Salerno,
- Personale. Gennaio 2021 personale in centro storico Salerno curata ed allestita dall' arch . Maria Irene Vairo.
Pubblicazioni : Artbook "Ispirazioni d'Oriente" curato da Maria Irene Vairo e Simona De Marco.
Taichi Ichikawa (Soundscapenet) è artista selezionato a partecipare al Catalogo THE BEST OF e alla Mostra Internazionale L'ARTE TUTELA LA NATURA E L'UMANITÀ.

Soundscapenet

Nato a Vitoria ES - Brasile, nel 1977 Tiago Cesar è un artista contemporaneo che vive e lavora a Campinas, San Paolo, Brasile e crea bellissime composizione con la pittura ad olio e l'acrilico e realizza anche caricature.
Ha iniziato a disegnare quando è entrato nella facoltà di architettura di Porto Alegre nel 1996. A quel tempo aveva 19 anni e non vedeva l'ora di imparare l'arte. L’artista ha imparato diverse tecniche di disegno come la prospettiva, la nozione di spazialità, il tratto sicuro, l'uso corretto dei colori ma, soprattutto, si è innamorato del disegno e dell'arte.
All'inizio non credeva di poter essere un buon designer, ma quando ha notato insegnanti e colleghi che lodavano e si interessavano al suo lavoro ha iniziato a prendere entusiasmo.
Purtroppo ho dovuto lasciare il corso per motivi di salute e mi sono trasferito a Rio de Janeiro in quel periodo non sapevo che un giorno avrei scommesso per la mia professione le belle arti. Ci ho creduto solo quando sono andato a conoscere l'atelier d'arte minas, dove vivevo, e mi sono innamorato di nuovo dell'arte facendo lezioni di scultura in argilla e poi pittura e disegno.
Ho notato chel'evoluzione era molto veloce e mi piaceva sempre di più quello che faceva. Ho trovato un modo per esprimermi che ho eseguito e mi ha reso più connesso con le persone.

Tiago ha preso lezioni di disegno e caricatura con il famoso artista Paulo Branco. Oggi si dedica un po' di più alla pittura classica di volti in stile classico, prendendo una lezione con un altro rinomato artista della città di Campinas in SP, chiamato Nelson Braga Junior.
“Imparare di più sulla tecnica pittorica classica mi permette di creare dipinti insoliti, perché applico luci e ombre, proporzioni corrette e uso corretto dei colori sulle mie tele. Ogni giorno lavoro e quando non dipingo, disegno le mie caricature e i miei studi, da mettere sugli schermi più tardi. Ognuno di questi è molto diverso l'uno dall'altro ma tutti con una propria identità. L'arte per me è un modo per comunicare e cambiare il mondo. Quando mi esprimo mostro alla gente che è possibile essere felici e credere, anche in un mondo così diseguale. “
Tiago Cesar è estato premiato con una medaglia d'oro categoria pittura al Salon of Indaiatuba nel 2017. Selezionato per il rinomato Vineyard Salon nel 2018, primo posto painting Hall di Mogi Guaçu 2019. È stato premiato al terzo posto 2020 Salon of Mogi Guaçu painting. Artista selezionato per il III editto del Laboratorio d'Arte Sotterranea nel 2022. Importanti mostre sono state nel 2015 Casa do Lago da Unicamp, nel 2016 presso Atelier Lisa França, Culture Station 2017, Franz Café 2018, Rabeca Cultural 2019 e nel 2020, Laboratorio subterranart nel 2021 e Espaço Go On nel 2022.
Tiago é stato selezionato per partecipare alla mostra internazionale ARTE & CAVALLO all'ippodromo Snai San Siro a Milano.

Tiago Cesar

Arianna Capponi vive a S. F. Circeo dove dipinge presso la sua abitazione. Da sempre affascinata dal mondo dell'arte e dalla pittura, inizia il suo percorso artistico nel 1989 presso l’Istituto d’Arte, successivamente frequenta l’Accademia di Belle Arti nel corso di Decorazione. Partecipa a diverse esposizioni collettive dal 2002 al 2005. Esposizioni personali presso S.F.Circeo nel 2007, 2008, 2010, 2011, 2012. Dal 2015 ha partecipato a numerose esposizioni collettive in varie città italiane. Le sue opere si trovano in collezioni private di numerosi amatori del suo stile pittorico, in Italia, U. S. A., Polonia, Germania, Belgio.
"I principi estetici del figurativo contemporaneo sono spesso identificati nelle opere dell'artista Arianna Capponi. Le sue composizioni nascono dalla creatività e dal suo grande talento pittorico. Nel suo dinamismo artistico in continua evoluzione, ritratti spesso con caratteristiche forti e molto particolari, la natura rappresentata in animali selvatici, con meno preoccupazione per i tratti individualizzanti e la verosimiglianza, oltre a tante altre opere surrealiste che ci invitano a liberarci di ogni comprensione razionale e condurre noi in un mondo di significato simbolico. Il suo lavoro rivela il coinvolgimento nel processo creativo, con un senso di libertà nella scelta di fare ciò che pensa meglio e rimanere coerente con la sua verità." (Roseli Crepaldi).
Arianna Capponi è artista selezionata a partecipare al Catalogo THE BEST OF dell'arte Contemporanea Italiana e alla Esposizione Internazionale L'ARTE TUTELA LA NATURA E L'UMANITÀ.

Arianna Capponi

Il Maestro Artista intimista e visionario, la sua espressione artistica mira a ritrarre la trasfigurazione della vita materiale e spirituale. Eleazar con i suoi tre diversi stili (surreale, sacro e astratto) riflette attraverso gli episodi della sua vita lasciando una finestra aperta di interpretazione per coloro che cercano, inconsciamente, di vedersi nel suo lavoro.
La sua formazione artistica è una combinazione di tecniche di pittura classica e di sperimentazione personale. Nel 1997, dopo essersi diplomato con un professorato in arte presso l'Academia Bellas Artes, in El Salvador, inizia il suo viaggio artistico in America ed Europa. Nel 2002, il suo viaggio lo porta in Italia alla ricerca di una nuova illuminazione artistica. È in Sicilia che è attratto dal fascino maestoso della terra Nobile ed indolente. Eleazar continua a costruire nuove sfide artistiche e visive, che a sua volta lo portano a vincere diversi premi e ad essere riconosciuto come voce surrealista in Italia e in Europa. Tra il 2004 e 2013, Eleazar trova un dialogo tra pittura e teatro dove progetta, dipinge e supervisionare la costruzione e decorazione d’installazioni scenografiche commissionate da entrambe organizzazioni, pubbliche e rivate.
Viene premiato con un Diploma Honoris Causa in "Classe di Pittura" presso l'Accademia Internazionale Città di Roma; la consegna è organizzata dall'Ambasciata della Repubblica di El Salvador a Roma . Nel 2008, Eleazar entra a far parte dell'Associazione Culturale L'Incontro di Camporeale. Una delle prime opere sacre di Eleazar, una rappresentazione della Madonna del Fileremo, è appesa alla delegazione degli Ospitalieri del Priorato Russo di Malta. Nello stesso anno viene offerta una cerimonia in onore di
Eleazar, in cui riceve la Distinzione d'Onore al Merito dal Ministero degli Affari Esteri della Repubblica di El
Salvador, per la diffusione internazionale della cultura salvadoregna attraverso la pittura.
Nel 2014, Eleazar dipinge una delle più importanti opere religiose della sua carriera. Una pala d’altare
commissionata dalla Cappellania Generale dei Migranti della Lombardia, con sede presso la Basilica di Santo Stefano Maggiore a Milano. L'opera è inaugurata il 23 maggio 2015 in occasione della Beatificazione dell'ormai Canonizzato, il Martire Mons. Oscar Romero, a cui il dipinto è dedicato per il suo martirio durante la guerra civile salvadoregna nel 1980. Nello stesso anno, Eleazar è invitato dall'Ambasciata salvadoregna a far parte della delegazione di rappresentanza per l'Udienza con il Papa Francesco in ringraziamento per la Beatificazione del Martire a cui pala d’altare fu dedicata. L’artista ha partecipato a inumere mostre e ricevuto diversi premi nella sua carriera.
Eleazar Sanchez è artista selezionato a partecipare al Catalogo THE BEST OF e alla Mostra Internazionale L'ARTE TUTELA LA NATURA E L'UMANITÀ.

Eleazar Sanchez

Fernando Stufano nasce a Bari il 1974. Figlio di un Ufficiale della Marina Militare e di una professoressa di Artistica, segue la sua famiglia di origine nei numerosi trasferimenti in strutture militari, fino a stabilirsi per un decennio nella capitale (Roma).
Nelle eccezionale opere figurativo-surrealistiche di Fernando Stufano, l'elemento ricorrente è costituito da paesaggi con caratteristiche insolite che si portano a pianeti lontani, il cui lavoro esplora il surreale, il onirico e il mitologico, combinato in molti modi diversi in praticamente tutte le sue composizioni. L'etere funziona come un filo conduttore, un elemento indispensabile nelle immagini che appaiono sulla tela in modo casuale e spontaneo. Fa parte della scena mari, cieli, dei, angeli, nuvole, città perse in un viaggio immaginario in una composizione di un racconto rivisitato con un messaggio interiore non rivelato allo spettatore che si sente libero di pensare, vedere, immaginare... una magistrale sovrapposizione tra la vita reale e lo stato di sogno, così come le emozioni che il surreale è in grado di evocare.

Fernando Stufano

Giulia Carini è un' acquarellista di Parma, Italia. Fin da piccola è sempre stata attratta dagli acquerelli e dai colori. Disegnava i suoi personaggi Disney preferiti e le anime giapponesi che guardava in TV e al cinema. Li ha amati davvero molto!!! Ma poi la vita l'ha portata in una direzione diversa. Ha studiato Lingue Straniere al Liceo Scientifico e ha conseguito la Laurea Magistrale in Lingua e Letteratura Inglese presso l'Università degli Studi di Parma. Ma questa forte passione per l'arte doveva emergere prima o poi e lo fece 8 anni fa quando decise di frequentare la sua prima Make Up School a Parigi. Fu l'inizio di un percorso artistico che la portò a dipingere con l'acquarello. I suoi dipinti sono un'esplosione di colori. Ha un'ossessione per loro e sono la sua gioia e il suo amore. Quando scorrono, gocciolano e si fondono in qualcosa di magico, hanno il potere di farla viaggiare in un luogo molto speciale: la sua anima interiore. I colori sono il suo universo e spesso reagisce ad essi in modo molto istintivo. A volte passa molto tempo a scegliere la tavolozza giusta ma a volte segue il suo istinto e dipinge con combinazioni che non ha mai usato prima!
Giulia Carini è artista selezionata a partecipare al Catalogo THE BEST OF e alla Mostra Internazionale L'ARTE TUTELA LA NATURA E L'UMANITÀ.

Giulia Carini

Jose Maria Bea Hidalgo è nato a Motril il 23 maggio 1976. Fin da giovanissimo ha dimostrato interesse per l'arte e la pittura. Va a lezione per alcuni anni all'Escuela Artes y Oficios de Motril, dove impara tecniche che in seguito sviluppa ed espande da solo creando la propria identità di artista, ispirandosi a tutto ciò che lo circonda: il mare, la famiglia, la pianura della Costa Tropical. La sua evoluzione continua nel corso degli
anni, diventando un pittore autodidatta che si è creato con uno stile molto personale che lo identifica chiaramente.

Fedele al suo istinto, crea opere piene di forza e colore, dando al mondo dell'arte un tocco molto personale. Dall'età di 20 anni ha unito il suo lavoro di interior design alla sua vocazione artistica, che lo porta a fondare la propria galleria di pittura il 16 giugno 2018 e da allora la sua carriera artistica è stata evidenziata tra i migliori artisti contemporanei del momento. Le sue opere sono già distribuite in quasi tutta Europa, poiché, tra i suoi migliori clienti ci sono francese, inglese e tedesco, tra gli altri. Il suo
lavoro viene riconosciuto nelle migliori fiere d'arte contemporanea nazionali e internazionali. Ha diversi punti vendita delle sue opere distribuite in Andalusia: Cordova, Siviglia, Granada e Malaga. Da notare l'ampio curriculum di mostre che ha in soli 3 anni, tempo che è stato dedicato al suo aspetto di artista in modo professionale.

Jose Maria Bea è artista pluripremiato alla Mostra Internazionale D'Arte Contemporanea L'ARTE RIAFFIORA" a Milano, Brera, maggio 2021. Ha ricevuto il PREMIO ALLA CARRIERA con la seguente motivazione:

"Jose Maria Bea ha saputo creare nella sua notevole carriera di artista una propria identità riconosciuta in tutta Europa attraverso il suo stile inconfondibile e il suo estro creativo. Inoltre sin da giovanissimo ha sempre coltivato con successo l’arte e la pittura coniugandole successivamente con il suo lavoro di interior design. Crea nel 2018 una propria galleria d’arte dove affronta ed approfondisce ancora di più la sua arte con tanti altri artisti. La sua pittura, divenuta nel frattempo, esempio e modello per tutti si è via via perfezionata sino a giungere a grandi risultati. Si tratta di un’ arte informale che Josè Maria Bea gestisce in maniera originale e personale con forme e colori che sono in grado di emozionarci. Una rappresentazione dove si vede la sua forza interiore che quasi stupisce per la determinazione nell’inserimento del colore, un tratto deciso dettato esclusivamente dai suoi sentimenti. Un artista che riesce a comunicare sensazioni ed immaginazioni che si trasmettono fortemente in coloro che guardano le sue opere." (Antonio Castellana - Critico d'Arte e Conduttore Televisivo del Canale Italia).

Jose Maria Bea

Nata in Croazia, ha compiuto gli studi artistici a Zagabria. In Italia dal 1968, disegna e dipinge sperimentando svariate tecniche: matita, pastello a cera, carboncino, china a pennino, pittura ad olio, affresco, trompe-l'oeil, colori acrilici, smalti all'acqua. Il percorso stilistico di Marija spazia dal figurativo classico, all'impressionismo con tecniche miste, all'astrattismo geometrico e attualmente si dedica al materico e al pouring (colore versato). Sempre attenta alle tecniche d'avanguardia, sperimenta volentieri i materiali di ultima generazione.
Nel 2007 è stata cofondatrice di ACPA, Associazione attiva fino al 2012 nella promozione della pittura sul territorio a sud di Milano.
Nel triennio 2018-20 varie opere di Marija sono state presentate presso gallerie (Enésya, Vizzolo Predabissi), spazi storici ed istituzionali (Milano-Baggio, Sala degli Olivetani; Venezia, Palazzo Zenobio; Milano, piccola Sacrestia di S.Maria delle Grazie; Rozzano, Cascina Grande; Cologno Monzese, Villa Casati) e a Milano in occasione di eventi artistici speciali come Christmas in Art (WinCity piazza Diaz) e Shopping Diva's (palazzo Vidiserti-Dozzio, via Monte Napoleone).
Nel 2021, la sua opera "Inferno di Dante" viene selezionata da Giorgio Gregorio Grasso per la Divina Commedia illustrata da artisti contemporanei; il quadro, dapprima presentato in varie sedi e gallerie italiane (Rocca Brivio, Caravaggio, Genova, Venezia, Ravenna, Castelnuovo di Porto, Matera) è stato inoltre esposto a Kiev (mostra “Visioni della Divina Commedia”, Modern Art Research Institute of Ukrainian Academy Arts) e a Firenze (mostra "Dante dall'Ucraina a Firenze", RFK International House for Human Rights) nell'ambito delle iniziative di celebrazione del Sommo Poeta.
Nel 2021 Marija è stata presente anche alla Biennale d'Arte di Torino, alla 4° Biennale di Spoleto ed al "tributo Dante" organizzato dal Ponte degli Artisti di Milano con la presenza del prof. Stefano Vicenti.
Con il 2022, grazie alla fattiva collaborazione con l'Associazione Napoli Nostra, le opere di Marija sono apparse alla Galleria della Pigna di Roma (palazzo Maffei Marescotti), alla Sala del Basolato di Fiesole ed al Centro Eden Paradiso di Anacapri. Antonio Castellana ha intervistato Marija nella trasmissione televisiva "Percorsi d'arte" scegliendo i suoi quadri "Pace per mondo" e "Omaggio a Fabrizio de André" per la prima edizione della Biennale di Cremona (Soncino, ex Filanda) e inserendola nella nuova edizione del libro "I top 200 scelti da Antonio Castellana" col dittico "la Fenice" ed il quadro "Bosco autunnale", prossimamente in mostra a Treviso (Museo Benetton, palazzo Bomben).
Il quadro "Campo di papaveri" è stato scelto da Roseli Crepaldi per la mostra "L'Arte tutela la natura e l'umanità" presso la Galleria Milanese (Milano-Brera). Maurizio Ganzaroli ha recensito il quadro "Peonia scarlatta" nel nuovo libro di Silvia Landi intitolato "22 Espressioni nell'arte". Di Marija, Giorgio Gregorio Grasso ha scelto l'opera "la ragazza Pop" per la mostra "Pop Art" presso la Ravenna Art Gallery.

Marija Donkovic

Fin dai primi anni delle scuole Elementari si notava un forte interesse verso il disegno e pittura, quindi i miei genitori mi mandarono ad un corso di disegno con ottimi risultati. Alle Medie l’interesse continuò e quando arrivò il momento di scegliere le scuole Superiori, nessun dubbio: Istituto D’Arte l’Istituto d’Arte di Faenza per la Ceramica, nel 1972 si diploma Maestro d’Arte per la Ceramica, nel 1974 Diploma di Magistero Artistico.
Nel 1974 vince Concorso Internazionale della Ceramica Contemporanea, in quel periodo partecipa e vince diversi concorsi di pittura.
Negli anni 74/75 Aperto uno studio di Design e arredamento Dal 1975 al 2018 si interrompe completamente ogni esercizio artistico e pittorico , per iniziare una carriera manageriale.
Nel 2018 riprende quello che era rimasto in sospeso cioè l’Arte.
Dopo tanti anni trascorsi in giro per il mondo, riprendo da ciò che era rimasto in sospeso la Materia, trasportata sulla tela. Sperimentazione delle tecniche, dei colori, delle materie ed è proprio la materia che mi affascina di più e che forse mi ricorda la ceramica. Uso le tele come supporto, per creare, con diversi materiali poveri, insieme ad acrilici , vernici, collanti e sabbie degli spessori e sovrapposizioni.
La materia è l’anima centrale dei miei quadri, prendendo forma con l’astrattismo gestuale , l’armonia dei colori forti creando emozioni e ricordi; L’astrattismo materico, fatto di collage di ogni genere, gestualità nelle pennellate , mi piace raggiungere un piacere visivo ma fatto anche di tatto chiudendo gli occhi.
L’uso dei materiali che troviamo nella quotidianità, naturali o artificiali, spesso uniti insieme e sovrapposti con collanti , colori ,sabbie esprimono gesti, spesso di rottura verso il quotidiano.
Tutto ciò che ci circonda è Arte , la natura specialmente ci propone tutti i giorni dei capolavori . Io a confronto imbratto tele e cerco di emozionarmi ed emozionare .

"L’arte informale materica di Maurizio Cervellati scaturisce da un’originale e inquieta sintesi tra un’esigenza apollinea di ordine e organizzazione dello spazio visivo e impulsi deliranti che producono guizzi di colore, segni, macchie, accensioni improvvise di luci endogene che ne scardinano la rigidità. Tra questi assunti si gioca la partita dell’artista in alcuni casi a prevalere è, l’astrattismo gestuale in altri casi è l’Informale ad imporsi: una pittura gestuale, con connotazioni fortemente emotive. In un declinarsi di vari materiali a volte anche di recupero Maurizio Cervellati sperimenta attraverso un uso ragionato dei colori tecniche diverse accompagnate da acrilici, vernici, collant e sabbie che a volte sovrappone, a volte amalgama tutto insieme. Tutto questo gli crea forti emozioni miste a ricordi che affollano spesso la sua mente. Ma è anche la voglia della rottura verso il quotidiano e verso tutto ciò che ci circonda. Ma tutto ciò che ci circorda è secondo l’autore Arte e la natura specialmente ci propone tutti i giorni dei capolavori. Egli esprime, cosi’, lo sgomento dell’individuo di fronte all’enigma del destino che torna, attraverso simboli figurativi di grande efficacia e con un’impostazione cromatica sempre raffinata e preziosa che si conclude in un lirismo simbolista, che alle volte, proprio per la forza del segno o il valore potente del colore, sconfinano in una visione di matrice concettuale." (Antonio Castellana)

Maurizio Cervellati

Nina Nicole è nata nel 1982 in Armenia. La sua famiglia aveva origini miste armeno-italo-iraniane.
Era una studentessa esemplare ed è stata accettata in una delle migliori università del paese dove si è laureata con la laurea in giurisprudenza.
Tuttavia, essendo una persona curiosa e avventurosa, presto si rese conto che la carriera in legge era troppo noiosa per lei e iniziò a viaggiare per il mondo.
A Nina Nicole è sempre piaciuto esplorare culture e paesi diversi sin da quando era bambina e i suoi viaggi l'hanno portata in Italia, Francia, Iran, Turchia, Stati Uniti, Russia, Georgia, Brasile e molti altri paesi da menzionare.
Allo stesso tempo ha iniziato a lavorare nel settore immobiliare e ha avuto una carriera di grande successo.
Tuttavia, non è passato molto tempo che ha iniziato a dipingere e ha deciso di perseguire la sua felicità nel mondo dell'arte. I suoi dipinti hanno per lo più un tema astratto.
Attualmente risiede a New York City ma considera l'Italia come la sua prima casa.

"Le opere dell'artista Nina Nicole, di spettacolare potenziale pittorico e di grande originalità, trasmettono allo spettatore un senso di creatività ed energia. Nina è un'artista con migliaia di ammiratori in tutto il mondo, che accompagnano la sua arte con fascino e gioia. Le sue pennellate espressive cercano di rivelare le sue emozioni utilizzando una tecnica mista di acrilico su tela e una tavolozza di colori vibrante e perfettamente raffinata e armoniosa. Altre volte cerca solo di evocare una mente meditativa e uno spirito libero con la dolcezza di parole scritte o forse nascoste. Con immersioni e linee astratte elementi organici che trasmettono energia, crescita e movimento, l'artista esprime su tela il ricordo dei suoi sentimenti, vissuti e certi luoghi restano simboli di queste emozioni." (Roselli Crepaldi).

Nina Nicole è artista selezionata a partecipare al Catalogo THE BEST OF e alla Mostra Internazionale L'ARTE TUTELA LA NATURA E L'UMANITÀ.

Nina Nicole

Nata a Caratinga, Minas Gerais, Ruth Lima mai pensato di essere un giorno una grande fotografa e artista visiva. Inizialmente si è laureata in Farmacia, dove si è specializzata in Cosmiatria che le ha dato l'opportunità di agire nella sua più grande abilità: l'arte di manipolare texture in creme, colori, per cui ha promosso "l'arte dell'abbellimento". "La fotografia le è stata presentata da bambina. Sua madre ha insistito per registrare tutti i suoi momenti nei vecchi studi fotografici.
Qualche anno dopo a Londrina /Paraná, di fronte all'opportunità di una nuova vita, si laurea in fotografia e si unisce al Club fotografico de Londrina e inizia così un grande viaggio di concorsi tematici in varie città del Brasile. Il suo primo grande riconoscimento è stata una delle sue foto indicate nella Biennale di Arti Fotografiche dell'Unico Salone Internazionale del Brasile, con sede a Jaú (SP) e da allora esercita quest'arte con maestria e originalità.
Il registro sociale la porta per le strade del mondo in ricerche incessabili con maggiore attenzione ai residenti dei cosiddetti “ mendicanti o pazzi" dove ha fatto riflessioni con gli psichiatri sulla soggettività del soggetto.
Il fascino di fotografare l'essere umano è nella magia dei suoi occhi: sa cercare l'angolazione migliore e finalmente stupirsi di trovare la bellezza dell'anima che emerge nel volto di tutti i suoi famosi ritratti, la sua più grande performance professionale.
Seguendo le tendenze cibernetiche il suo movente di anni e ore di studio instancabile, si sentiva totalmente attratto dall'"arte fotografica". Dove la fotografia diventa arte, insieme a vari segmenti di espressione artistica e non come in passato semplici carte sviluppate per essere appese alla parete del soggiorno della casa dei loro proprietari.
In un'instancabile ricerca di innovazione nell'arte fotografica e portare temi poco discussi e controversi, la fotografa Ruth si concentra sulla registrazione e la condivisione di un lavoro inspiegabile che affronta temi diversi che vale la pena di essere controllati.
“Sono un artista della fotografia. Premiata in diversi paesi, soprattutto in Italia, ho imparato che tutto nella vita è un'opportunità che passa in meno di 2 secondi e diventa immagine del momento appena dietro. La fotografia è memoria, arte, cultura e vita. È tutto e niente. È l'inizio, la metà e la fine. E così voglio continuare, cercando momenti per apprezzare e registrare l'essenza di luoghi, persone e oggetti. Dare movimento alla statica, come un rotolo di fotografia che diventa un film.” (Ruth Lima Souza)

Ruth Souza Lima è un’Artista che ha saputo affermarsi nel campo della fotografia e del montaggio Video. Possiede una capacità innata per racchiudere nei suoi scatti, una espressività geniale ed allo stesso tempo veritiera ed espressiva del carattere del soggetto fotografato. Molto amata dalla Baronessa Maria Lúcia Soares, con la quale, ha collaborato alla preparazione di molti eventi ed ultimamente, era impegnata nella preparazione delle Mostre che si sarebbero dovute tenere a Spoleto e Matera. Ama il colore ma come tutti i Fotografi, utilizza spesso il Bianco/Nero, trova la sua dimensione nei colori tenui ed espressivi. Abbiamo di fronte un’Artista di rara capacità creativa. (Recensione dell’Accademico Tiberino, Dott. Franco Spada).

LE OPERE CHE PARLANO
Le opere di Ruth Lima Souza sono di grande espressività . Ognuna porta un messaggio della condizione umana. Si può notare molte particolarità lì... messe a tacere e tanti movimenti automatici, forse imposti dalla vita e nelle figure di quelle opere, un interiore insoddisfatto, angosciato, sofferto e ferito. Sono molto impressionanti queste composizioni di ciò che fai. Si vede anche dosi di gioia, dosi di trascendenza in quella ragazza che balla e che sembra sublimare, fluttuare nell'aria e sono cose così belle che in una Galleria penso che l’osservatore si perdono nel tempo a contemplare e congetturare su ognuna. Quindi ha una ricchezza dentro di se e puoi, puoi uscire, puoi raggiungere l'altro. Ruth continua ad alimentarlo con il più nobile della essenza di cui l'arte si nutre e sopravvive, che è l'amore, il sentimento, l'umano. (Robson Cunha).

Ruth Lima Sousa

Swati Ghosh è una pluripremiata artista indiana di Calcutta, specializzata nel campo delle belle arti, che lavora e vive sia in India che in Norvegia. Avendo l'opportunità di viaggiare in tutto il mondo e testimoniando varie culture e forme d'arte, Swati crede nell'arte, libera da confini con unità nella diversità.

Il lavoro di Swati è stato esposto in numerose gallerie e musei in vari paesi del mondo tra cui India, Norvegia, Corea del Sud, Italia, Palazzo della Cancelleria Vaticana, New York e Maldive. Il suo approccio responsabile e orientato ai risultati l'ha aiutata a ottenere prestigiosi premi in concorsi di pittura tenuti in tutto il mondo.

Swati si sforza di coltivare una bellezza estetica attraverso le sue opere che ti piacciono. Il suo vivo interesse per il campo delle belle arti può essere testimoniato attraverso le sue opere d'arte dettagliate che sono veri riflessi della natura, delle persone moderne e rurali e del loro background socio-economico. I suoi ritratti convenzionali trasmettono gli spiriti umani, il realismo classico, il contesto sociale ed economico degli esseri umani. Le sue opere riflettono aspetti "sensibili" e "intelligibili" dell'uomo e della natura e più precisamente i suoi dipinti stabiliscono anche la natura con la relazione umana. Il paesaggio marino e la pittura di paesaggi di Swati risvegliano un sentimento molto diverso dallo splendore e dal contrasto stesso dei loro colori, trame e stili.

I prezzi sono su richiesta

Swati Ghosh

Vera Ritter è un’artista brasiliana nata a Pérola D'Oeste e vive a Cascavel PR. All'età di 16 anni ha sentito la passione per la pittura ad olio e solo dopo molti anni ha avuto l'opportunità di ricominciare nell'arte. Si à Laureata in Arti Visive e lavora con il figurativo. Il 2019 è stato un anno speciale di divulgazione e riconoscimento del suo lavoro. A Limeira SP, ha ricevuto una medaglia per “Il Migliore” del salone con l'opera Ayrton Senna. Ha partecipato alla I Mostra “Un gioco da Bambini” con l'opera “Florisvaldo il Gato”, a Ribeirão Preto e così la ha spronato ad esporre a Niterói e partecipare a il libro La mia infanzia. È stato l'anno di numerose mostre collettive in Brasile e all'estero. Ha fatto pubblicizzare la sua arte sulla rivista regionale Dife Brasile e nel 2020 è stata invitata a mostrare i suoi lavori su CATV, nei programmi Viva Bem e Sib Medida. Partecipazione alla rivista Ponto e Vírgula a Ribeirão Preto, in due edizioni della rivista Tela & Artesanato a San Paolo.

“Dopo alcuni anni alla ricerca di uno stile che mi riempisse il cuore ho iniziato le collezioni di Arte Sacra e avevo già diverse visioni di immagini da rappresentare su tela, ma che sono ancora nel disegno e nella memoria. Ho un'opera nella collezione del Museu de Artes de Cascavel, mi sono classificato secondo al concorso METAVERSO Casa Brasil Liechtenstein nella votazione popolare. Diverse mostre collettive virtuali e di persona, articolo sul blog di Daniel Tamme, su UNINTER News. Un'opera selezionata tra le cinque migliori della giuria di Ribeirão Preto SP. Intervista sul programma Empowering Women after 50.”

Vera Ritter

Carla Pugliano, artista di indole tumultuosa e inquieta, la sua passione per l’arte emerge in particolare negli anni recenti come irrinunciabile necessità e indispensabile nutrimento per l’anima. Allo scopo di affinare la propria tecnica, svolge dei corsi di pittura ad olio ed un Master Accademico di livello internazionale con il Maestro Roberto Ferri, con selezione a numero chiuso. Le prime opere riflettono uno stile impressionista, successivamente influenzata dall’arte barocca ha approfondito la sua ricerca artistica nella pittura del Romanticismo, Accademico e Simbolismo, con tendenza, inoltre, ad una fisiologica evoluzione verso un destrutturalismo dei contesti che emerge in alcune opere. Fin dalle sue prime apparizioni in mostre collettive e rassegne, ottiene riconoscimenti di pubblico e critica. Alcune opere sono ora parte di collezioni private.
Tra le molte partecipazioni in collettive ed esposizioni in solo, nel 2021 una Mostra Personale con selezione, presentazione e critica artistica del Professor Vittorio Sgarbi presso la “Galleria La Pigna” – Roma, a cura di Art Global con Angiolina Marchese e Raoul Bendinelli.
Presente alla Biennale di Milano organizzata da Spoleto Arte e premiata all'evento Maestri d'Italia a cura di Art Now
Tra i vari cataloghi, anche una pubblicazione personale “L'accento Sull'Arte di Carla Pugliano".
Carla Pugliano ha partecipato alla Mostra Internazionale D'Arte Contemporanea L'Arte Tutela La Natura e L'Umanità a Brera, Milano, maggio 2022 e presente nel Catalogo THE BEST OF dell'arte Contemporanea Italiana.

Carla Pugliano

Elena Borboni nasce a Ome (BS), tra le colline della Franciacorta. Si trasferisce a Brescia e frequenta La Scuola d’Arte. Fonda una sua scuola di pittura, dove insegna per anni. La “missione” di Elena consiste nella riflessione sull’elemento miracoloso ed eterno della vita, un racconto che trova l’essenza umana in sintonia con la madre terra, in un gioco naturale di nascita, crescita, evoluzione e scoperta di se stessi, in senso cosmico, universale. Ella sente il bisogno-l’esigenza, di plasmare, impastare, per essere in simbiosi materiale e reale com il suo quadro, interagire intimamente con esso. Un racconto quantomai intimo e personale, una chiave magica e solare, dove l’essenza vive con lirica astrazione e fantasiosa stilizzazione. Perviene ai risultati del suo lavoro attraverso una progettualità capace di rinnovarsi ogni volta. Un procedimento che mira alla sintesi poetica e che di evidenzia in una straordinaria acutezza psicologica. Opere che si concretizzano in invenzioni narrative concluse, in equilibrio tra bellezza e profondità. La passione viene impressa nelle tele per mezzo delle cromie e della luce. I colori appaiono essenziali e carichi di espressione nella forma. In questo “Viaggio al centro della vita”, vero cardine della pittura di questa artista, percepiamo il suo messaggio, rendendoci partecipi del suo mondo interiore. Una pittura insolita e fascinosa, che stupisce per la sua esclusività. Elena ha questa dote innata di trasmettere emozioni di pura poesia. Da anni espone in numerose mostre personali e collettive, sia in Italia che all’estero, ottenendo notevoli consensi e premi.
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Nelle opere dell’artista si assiste alla certezza della sua capacità pittorica frutto di anni di duro lavoro e di incessante studio per la ricerca e la sperimentazione. Pur nella diversità di tecnica e stile adottati, l’interrelazione delle forme con il colore rimane il tema principale della sua produzione. Protagonista è quindi il segno figurale che si fa via via più realistico: scene reinventate che diventano scenario della fantasia e dell’anima, dando vita a una sorta di linguaggio di valore universale. Elena Borboni abbandona gli eccessi della pittura del passato, gli estremi modi e colori provocati dalla sua innata istintività per lasciarsi cogliere dalla meraviglia della semplicità. L’artista è quasi narratrice attenta di un percorso di studio e all’approfondimento dei segreti della natura e alla possibilità di ancorarsi al mondo suggestivo della materia dal definitivo riferimento formale. Splendidi sono gli schemi su cui si sofferma Elena Borboni grazie a un continuo dialogo con l’energia vitale dell’universo che da luogo ad un’infinita e variegata struttura di ordini e di bilanciamenti tendenti alla valorizzazione dei grandi spazi scenografici. L’artista inoltre è attratta dalla luce che diventa la strutturazione di un equilibrio, un’armonia consolidata attraverso una forte simbiosi con lo spazio circostante. (Antonio Castellana).

Elena Borboni

Flavia Jackson è un'artista autodidatta nata e cresciuta in Brasile. Ha vissuto anche a Budapest, Tel Aviv, Azerbaigian e Miami. L’artista usa segni gestuali e relazioni cromatiche per esprimere uno stato d'animo o un sentimento che deriva dalla sua esperienza acquisita da queste ricche culture, poiché ognuna di esse le ha lasciato un segno. Utilizza colori, forme e motivi vivaci per creare impressioni visive di movimento, emozioni e sentimenti; specialmente quelli incentrati sull'energia positiva e sulla forza interiore. Flavia attualmente divide il suo tempo vivendo nel Midwest americano e a Telluride, in Colorado. Attualmente le sue opere sono in esposizione in Italia, Francia, Brasile e Stati Uniti. È stata selezionata e commissionata per creare 12 pezzi per il Mark Arts USA Gala. Le opere stilo espressionismo astratto di Flavia fanno riferimento agli elementi che la circonda ma anche a un senso emotivo interiore. La dualità dei regni interno/esterno conferisce all'opera una profondità di significato. Secondo Flavia, "La bellezza dell'arte è che immortala. È senza tempo e allegramente contagioso. Ispira e connette. È un linguaggio universale con cui tutti possono connettersi e capire senza limiti".

Flavia Jackson

Jacek Rozmiarek è un artista contemporaneo nato nel 1965 in Polonia ma vive a Vienna - Austria. Si è ispirato in modo creativo principalmente dagli anni '80. Il tema principale della maggior parte delle sue opere è la bellezza del corpo umano. L'artista lavora in acrilico, il suo mezzo preferito, in uno stile figurativo. La bellezza poetica e l'equilibrio armonico lasciano tracce di linee forti e calcolate dove l'emozione del momento vince l'invisibile. In questo clima di equilibrio tra l'emotivo e il razionale, sviluppa il suo lavoro, partendo da una scena immaginaria in cui i personaggi rivelano la loro anima, i loro sentimenti più profondi, dal più bello al più oscuro, e l'artista li mescola alle proprie emozioni per dipingerli sullo schermo. Nelle sue creazioni vediamo le curve di un corpo svelato in chiaroscuro, spesso femminile, bello, fragile, ma sensuale ed erotico. Il suo filo conduttore è la ricerca di dialogare con lo spettatore e invitarlo a guardarsi intorno, fermarsi, percepire, sentire, scoprire che c'è qualcosa di più intorno a noi, dentro e nell'altro. (Roseli Crepaldi).
Jacek Rozmiarek è artista selezionato a partecipare al Catalogo THE BEST OF e alla Mostra Internazionale L'ARTE TUTELA LA NATURA E L'UMANITÀ.

Jacek Rozmiarek

Jose Waldo Camurça è un’artista brasiliano nato a Fortaleza (CE) nel 1955 che vive nella città di Campinas, San Paolo.
L'artista fin dall'infanzia si dedica alla pittura. Autodidatta fino all'età di 40 anni, quando ha seguito il corso di arti visive presso la Pan-American School of Arts di Campinas-SP/Brasile, avendo come maestro l'artista Ricado Tânus. È un grande ammiratore della danza, essendo questa una grande ispirazione per i suoi dipinti. Pratica l'equitazione a lunga distanza, e il cavallo è una grande passione che cerca di ritrarre nelle sue opere in vari modi. Anche se dipingeva da giovane, è entrato nel mondo delle arti visive di recente, iniziando a esporre quando è stato invitato a partecipare alla mostra collettiva Art in Motion promossa da Anjos Art Gallery nel luglio 2021

Jose Waldo Camurça

Mariolina Morciano nata a Taranto il 13 Ottobre 1960 ma cresciuta ed ha vissuto a Pulsano (TA). Nel 1979 si diploma presso il Liceo Artistico Lisippo di Taranto e, nel 1983, si diploma in scenografia all’Accademia di Belle Arti di Lecce.
Nella stagione lirica 1982-83 ha ricoperto il ruolo d’aiuto scenografo presso il teatro Politeama di Lecce. Dal 1984 al 1987 ha lavorato come progettista in studi privati di ingegneria e architettura.
Dal 1988 funzionario c/o l’ufficio tecnico del Comune di Pulsano (TA). Cosmopolita ha viaggiato e si è nutrita di varia umanità, emozioni, cultura ed arte.
Le sue opere sono essenzialmente materiche, ossia costituite da strati sovrapposti di carta, di gesso e di acrilici.
La mescolanza e l’impasto dei colori sono un tripudio di sfumature e testimoniano la sua “joie de vivre” quasi a volerci simboleggiare che la bellezza sta attorno a noi, nel quotidiano, e attende solo di essere scoperta. Quello dell’artista è un cromatismo travolgente, luminoso, personale, soggettivo. Un percorso pittorico maturo e costellato di impegno in anni di fatica passati al cavalletto.

Mariolina Morciano

Il primo contatto di Miriam con l'arte è stato davvero casuale. A scuola non prendeva lezioni di arte e non era interessata al disegno. All'università ha seguito dei corsi in materie scientifiche, niente a che vedere con l'arte! Per caso, la sua prima visita a Dubai, nel 1980, coincide con l'apertura di un centro d'arte. Non aveva niente da fare, così decise di unirsi. Iniziò a prendere lezioni di pittura a olio e il suo talento traboccò in un'opera meravigliosa che sorprese il professore. Da quel momento non ha mai smesso di imparare e di dedicarsi. Trasferitosi a Londra, ebbe l'opportunità di studiare arte: frequentò quasi tutte le scuole, assunse tutti i tutor e continuò a studiare arte in modo intensivo. Ha già esposto a Layton House, Chelsea Town Hall e alla Koufa Gallery, che espone esclusivamente mostre di alcuni pittori arabi. Attualmente il suo lavoro è molto vario, dipinge sempre in modo diverso a seconda di quello che sente di fare. Miriam ama la pittura a olio di qualsiasi altro mezzo perché puoi dedicare più tempo a ogni pezzo. Attualmente l'artista ha una forte inclinazione verso l'astratto, arte puramente rappresentativa. Ha scartato ogni palese attenzione ai dettagli e si esprime attraverso la sua immaginazione, il suo io interiore.
“Quando si tratta del dipinto vero e proprio, inizio con uno schizzo approssimativo – non disegno mai in dettaglio – e poi dipingo sopra quello. “ (Miriam Ghubril).
L'artista esegue le sue opere all'interno della contemporaneità, esaltando il colore e la vitalità della sua pittura e trasmettendo sulla tela tutte le sue fantasie e idee creative. È affascinante il modo in cui lavora i colori armoniosamente, componendo le figure, la luce, creando un rapporto tra pittura e illusione, tra immagine e realtà. Ed è proprio con esse traccio sensibile e malleabile che l'artista allinea il suo lavoro con l'universo: Miriam semplicemente non ha bisogno di altro che esprimere la sua natura creativa per avvolgerci e sorprenderci con le sue spettacolari opere d'arte. (Roseli Crepaldi)

Miriam Ghubril

Peter Serebrovsky è un famoso artista professionista russo, partecipante a numerose mostre. I dipinti di Peter sono in Russia e all'estero. L'artista accoglie temi originali e gli ordini più insoliti, formati in varie tecniche e realizzano idee interessanti per gli amanti dell'arte di tutto il mondo. Nella sua arte astratta, l'artista non si ferma a un oggetto o scenario o non intende rappresentare il mondo esterno, al contrario, l'artista induce l'osservatore a utilizzare la sua immaginazione come strumento per comprendere il suo lavoro. Nelle sue recenti composizioni possiamo riconoscere l'astrattismo informale. Peter usa la sua immaginazione per guardare oltre ciò che possiamo vedere fisicamente e per tradurre sullo schermo emozioni intangibili. È un'arte libera che stabilisce enormi connessioni soggettive.Ama la plein air: dipinge paesaggi sulle coste di Italia, Spagna, Grecia e Russia. nel 2020 Peter è stato invitato a partecipare a Venezia a una mostra dedicata all'ecologia e al salvataggio della stessa Venezia in particolare, curata dallo storico e critico d'arte Giorgio Grasso. Ha creato la composizione "Agua Alta" che fa riferimento alle recenti alluvioni. Le sue opere decorano locali residenziali e pubblici a Praga, Mosca, Sochi, San Pietroburgo, Zurigo, Venezia e in altre città.

Peter Serebrovsky

Nato a Copertino (Lecce) nel 1956, ex insegnante oggi in pensione, vive a Domodossola dal 1979. Fin dall’infanzia dedica il suo tempo libero alla passione per la pittura ad olio. Ispirandosi allo stile verista, dipinge impressioni ed emozioni con uno sguardo attento al dettaglio e sensibile all’intensità dei colori. Dipinge paesaggi marini maestosi da una prospettiva aerea inconsueta e, nelle opere figurative, mostra la bellezza dei gesti semplici della quotidianità. La ricca e costante produzione di opere si caratterizza per una continua sperimentazione nel colore, nello stile e nei soggetti rappresentati. Nonostante l’ecletticità e varietà dei suoi quadri, il tratto dell’artista risulta chiaramente riconoscibile. L’immaginario trasferito su tela appare statico ma riflessivo nei gesti lenti dell’attesa e della contemplazione paesaggistica, un soggetto all’apparenza privo di rilevanza estetica che diviene straordinario nei suoi accostamenti cromatici, nella cura del dettaglio e nella serenità che trasmette. Trae ispirazione dalle montagne ossolane e dai paesaggi del Salento, con il suo mare cristallino, gli ulivi, i papaveri e i fichi d’india, mescolando i ricordi d’infanzia alle esperienze dell’età adulta. Ha partecipato a numerose mostre personali e collettive in diverse città d’Italia. Nelle sue opere, fissa su tela l’amore per la pittura scegliendo colori freschi e accesi.

Salvatore Dellanna

"Nasco con la penna in mano in un primo mattino del 1973 a Milano, così amo definirmi. Sin da bambina amavo copiare parole prese da libri per far scorrere quell’inchiostro nero scuro così suadente sul nudo foglio. Poi come sempre accade, tutto si evolve tutto si modifica; e le parole sono divenute versi e i fogli hanno preso a colorarsi di tratteggi, grovigli di anima. Gli studi giuridici e un lavoro amministrativo non hanno sopito quella voce che ribolliva tumultuosa e cercava vie di uscita… dai corsi teatrali alla fotografia, agli ‘scarabocchi’ gettati dove capitava… Ho iniziato ricorrendo a qualsiasi forma di supporto, conservo ancora il retro di una confezione di merendine, decorata con tratti di linee sinuose e puntinate. Non cerco temi precisi, c’è qualcosa che emerge senza un’idea precostituita “io non so cosa verrà fuori da un inizio gettato lì, senza troppo pensare”. Non è arte che si manifesta per apparire, bensì mappature di pensieri, emozioni, sensazioni, speranze e paure. Trascendo l’immagine, ogni linea è un tratteggio che si sviluppa nell’istante stesso in cui l’inchiostro incontra la carta, in un connubio che dà vita a tracce di anima, pezzi di essenza di struggenti svolazzi. Non c’è modo di cancellare un errore, solo di rivederlo, di ‘starci dentro’ per rimodularlo, ripresentarlo sotto nuova veste; e sorrido quando l’altrui occhio poi non se ne avvede. Un turbinio di emozioni che si declinano in spirali che si intersecano per poi spezzarsi e ritrovarsi in bozzoli di labirintici vortici, rielaborazioni di un inconscio assetato di parola. E la parola si fa tratto con maniacale contorsione, forme affusolate che non temono di spezzare, con violenza squarciare, l’armonia che si andava delineando. Emozioni e sentimenti dalle vorticose trame si fanno anche verso (“A Te” silloge edita da Bertoni editore); le opere vanno lette, osservate, ascoltate e indagate perché l’arte tutta, non si può consumare in fretta, ma richiede tempo e uno sguardo che sa andare al di là del vero. È un mondo dentro un mondo e nulla è per caso."
Teresa De Sio è artista selezionata a partecipare al Catalogo THE BEST OF e alla Mostra Internazionale L'ARTE TUTELA LA NATURA E L'UMANITÀ.

Teresa De Sio